Music is Discipline

Music is Discipline.

Music is discipline. It requires us to be disciplined in our practice, our performance, and our approach to the art form itself. For those who play or sing, music requires discipline in every aspect of the craft, from the technical aspects of playing an instrument or singing on pitch, to the emotional aspects of performing and connecting with an audience. Music is a language that transcends cultural and linguistic barriers, and it is discipline that allows us to communicate through this language effectively, liberating our creativity and granting us the freedom to express ourselves.

One of the most fundamental aspects of music is time. Music is constrained by time, and musicians must always count time. Whether playing a fast-paced jazz piece or a slow, melodic ballad, musicians must be aware of the rhythm and time signature, and play accordingly. This discipline of counting time is what allows musicians to create complex arrangements and syncopated rhythms that are the hallmark of many musical genres. Counting time is neither an exercise for a student, nor a stage through which to progress. Counting time is the fundamental discipline of music, and as we progress musically, counting becomes progressively more demanding, requiring progressively more discipline.

Another crucial aspect of music discipline is listening. Musicians must constantly listen to themselves while they play, to ensure we are hitting the right notes and staying in time with the rhythm. This requires an acute awareness of our instruments and voice, and the ability to make real-time adjustments to our playing as needed. It’s possible to play an instrument like the piano or guitar without listening to the notes, as if we were using a typewriter, so we have to constantly cultivate the discipline of listening to ourselves. By listening to the notes and chords we are playing, we learn and improve.

Music is the discipline to always be conscious of what we’re playing. By being conscious of the names of the notes and the chords, we learn for free. We learn the theory behind the music, the structure and form of the pieces, the patterns and relationships among the sounds. Being conscious of what we’re playing helps us to memorize and understand the music better, and to develop our musicality and creativity.

Music is the discipline to actively correct, in real time, what we are doing. Music is a live art form, and we have to deal with unexpected situations and challenges. Sometimes we may forget a note, miss a cue, or encounter a technical problem. We have to be able to react quickly and calmly, and to continue without losing our focus or confidence. Notes are not started and forgotten. We have to continue listening to ourselves and continue adjusting the notes while we’re singing or playing.

Music is the discipline to respect priorities. Music is a complex and multifaceted art form, and we have to simultaneously balance many elements and aspects in our playing or singing. To manage this, we have a hierarchy of musical priorities: performance, time, harmony, melody. We have to manage any difficulties encountered with respect to the hierarchy of musical priorities, the absolute priority being the music itself.

Music is the discipline to finish a performance. In addition to technical proficiency, music also requires emotional discipline. We must learn to connect with the audience and convey our message effectively. This means that we must have the discipline to control our emotions and perform with confidence and conviction, even in the face of unexpected challenges. Music is a communicative art form, and we have to share it with others. We have to overcome our fears and nerves, and to perform with confidence and conviction. We have to respect our audience and ourselves, and to give our best effort and expression. We have to finish what we started, and to appreciate the applause and feedback. Music is an exchange of energy with the audience, and a musician must under no terms disrupt this exchange of energy.

Music is the discipline to be resilient, to stand up and shed criticism. In playing or singing, we expose ourselves to the criticism of others. We can’t protect ourselves, because trying to do so limits our performance. We have to be tough, ignoring and disregarding unsolicited criticism. We have to accept failure and imperfection. Musical performances are never perfect, and our worst performance is never behind us, but always to come. To paraphrase Chumbawamba’s Tubthumping: We get knocked down, but we get up again – we’re never gonna keep ourselves down.

Music is the discipline to practice, and to practice effectively. Music is a skill that requires constant improvement and refinement. We have to practice regularly and diligently, and to set realistic and achievable goals for ourselves. We have to practice smartly and efficiently, and to use various methods and strategies to enhance our learning and progress. Musicians must be willing to put in the time and effort to develop our skills and perfect our craft. Practice requires discipline, consistency, and a willingness to push ourselves beyond our comfort zone. Effective practice requires practising slowly and methodically, and isolating and practising the things with which we have difficulty, rather than the illusory practice of repeating the things we can already play.

Music is the discipline of continuing for the long-term. Music is not a project to be undertaken and completed within a set time-frame. Music is not short-term gratification. Music is an investment for the long-term, for the rest of our lives, a process of continual improvement, the value of which accumulates with time. We have to be committed and passionate about music, and to enjoy its benefits and rewards. We have to be open-minded and curious about music, and to explore its diversity and richness. We have to be lifelong learners of music, and never stop growing as musicians.

Music is a discipline that requires focus, dedication, and perseverance. While it may appear effortless to an audience, behind the scenes, a great deal of discipline goes into creating a musical performance. It is discipline that enables musicians to create beautiful, meaningful music that can last a lifetime.

Music is discipline: the discipline to count, to listen, to respond, to respect, to act within constraints. Discipline is what liberates our creativity and grants us the freedom to express ourselves. Discipline sets us free.

La Bonne Étoile Chords by Matthieu Chedid

La Bonne Étoile Chords by Matthieu Chedid

[Verse]
Cm   Fm               Cm  Fm                 Cm
Terrien,  juste une poussière,  dans un système solaire
Fm             Cm       G
Une chose mystérieuse
Cm  Fm              Cm       Fm              Cm
C’est rien,   on est tous un peu flou,  pas sur de nous du tout
Fm             Cm       G
Dans la nébuleuse
Cm  Fm                    Cm   Fm                  Cm
Ce soir,  en regardant les étoiles,  j’ai vu dans le ciel
Fm                  G
quelque chose qui brille, brille, brille

[Chorus]
Cm   Fm              Cm
Oh la belle étoile,  quelques étoiles filantes,
Fm              Cm              Fm             G
Toi ma belle étoile autour de toutes ces figurantes

[Verse]
Cm    Fm               Cm      Fm                   Cm
Visible   à l’oeil nu si on veut,  il fallait ouvrir les yeux,
Fm               G
Sur ce point lumineux, oh, oh
Cm                   Fm                    Cm                  G
J’étais à des années lumières de penser qu’un jour je pourrais y croire
Fm        Cm      G
Ça m’sidère ce désir qui monte en moi

[Chorus]
Cm   Fm              Cm
Oh la belle étoile,  quelques étoiles filantes,
Fm              Cm              Fm             G
Toi ma belle étoile autour de toutes ces figurantes

[Verse]
Cm    Fm               Cm      Fm                   Cm
Visible   à l’oeil nu si on veut,  il fallait ouvrir les yeux,
Fm               G
Sur ce point lumineux, oh, oh
Cm                   Fm                    Cm                  G
J’étais à des années lumières de penser qu’un jour je pourrais y croire
Fm        Cm      G
Ça m’sidère ce désir qui monte en moi

[Chorus]
Cm   Fm              Cm
Oh la belle étoile,  quelques étoiles filantes,
Fm              Cm              Fm             G
Toi ma belle étoile autour de toutes ces figurantes

[Verse]
Cm                   Fm
J’étais à des années lumières
Cm                    G
De penser qu’un jour je pourrais lui plaire
Fm        Cm      D       G#     G
Ça m’sidère ce désir qui monte en moi

[Chorus]
Cm   Fm              Cm
Oh la belle étoile,  quelques étoiles filantes,
Fm              Cm              Fm             G
Toi ma belle étoile autour de toutes ces figurantes

Étape 9 : Apprendre les paroles par cœur

On mémorise les paroles afin d’être en mesure de chanter la chanson avec confiance. Cela nous permet également de nous concentrer sur la qualité de notre performance musicale plutôt que de devoir lire les paroles. Apprendre les paroles par cœur nous libère de la nécessité de les lire tout en jouant de la musique. Faire de la musique demande souvent de réaliser plusieurs tâches en même temps, et apprendre les paroles par cœur réduit cette charge cognitive.

Nous ne pouvons pas apprendre les paroles simplement en les écoutant ou en les regardant. La manière la plus efficace d’apprendre les paroles est de commencer par la dernière phrase du dernier couplet. Une fois que nous sommes en mesure de chanter cette dernière phrase sans aide, nous ajoutons l’avant-dernière phrase, et nous continuons ainsi jusqu’à ce que nous ayons maîtrisé le dernier couplet. Après avoir maîtrisé le dernier couplet, nous faisons la même chose avec l’avant-dernier couplet, en continuant jusqu’à ce que nous puissions chanter la chanson entière.

Il est également possible d’utiliser des méthodes personnelles pour apprendre les paroles, comme les répéter en marchant ou les écrire plusieurs fois. Cependant, quelle que soit la méthode choisie, il est important de répéter régulièrement les paroles jusqu’à ce qu’elles soient bien maîtrisées.

Il peut être difficile d’apprendre les paroles la première fois, mais plus nous le faisons, plus cela devient facile. Une fois que nous avons appris les paroles, il est important de les pratiquer régulièrement. Nous pouvons répéter la chanson plusieurs fois en chantant, en nous concentrant sur la justesse, le rythme et l’intonation. En pratiquant régulièrement, nous renforçons notre mémoire des paroles et nous sommes plus à l’aise en chantant la chanson lors de nos performances.

Enfin, il est important de se rappeler que l’apprentissage des paroles est une étape continue. Même après avoir appris les paroles par cœur, nous devons les pratiquer régulièrement pour les maintenir en mémoire. Il peut également être utile de réviser les paroles avant chaque performance pour nous assurer que nous sommes prêts et confiants.

Apprendre les paroles par cœur peut sembler difficile au début, mais cela devient plus facile avec la pratique. Une fois que nous maîtrisons les paroles, nous pouvons nous concentrer sur l’aspect musical de notre prestation avec plus de liberté pour nous exprimer.

Étape 8 : Apprendre à compter sur ses doigts et chanter la chanson

La musique est un art universel qui transcende les frontières culturelles et linguistiques. Elle peut transmettre des émotions et des messages de manière unique et puissante. Cependant, pour réaliser une interprétation réussie, il est important de suivre certaines étapes importantes. L’une de ces étapes consiste à apprendre à garder le rythme en comptant sur ses doigts tout en chantant la chanson.

Compter sur ses doigts est un moyen simple et efficace de garder le temps tout en chantant. Il est important de suivre le rythme de la chanson pour que le résultat final soit fluide et agréable à écouter. Lors de l’étape précédente, nous avons déterminé le placement des paroles par rapport au temps en comptant et en chantant avec la musique.

Maintenant que nous sommes à l’aise pour compter et chanter avec la musique, nous pouvons commencer à compter et chanter en gardant le temps nous-mêmes, sans la musique. Lorsque nous travaillons avec un enregistrement, ce sont les musiciens de l’enregistrement qui font la musique. Maintenant, c’est à nous de faire la musique nous-mêmes.

Un outil clé pour nous aider à garder le rythme est le métronome, réglé à une vitesse plus lente que l’enregistrement. Cette méthode nous oblige à être plus attentifs et à compter avec précision. Elle nous permet également de découvrir nos erreurs et de les corriger. Le but est de compter et chanter tout seul, sans l’aide de la musique ou du métronome. Cela peut sembler difficile au début, mais c’est une étape importante pour pouvoir chanter la chanson sans aucune aide. En utilisant cette méthode, nous sommes en mesure de développer notre propre sens du rythme et de la mélodie.

Après avoir maîtrisé le fait de compter et chanter la chanson avec le métronome, nous pouvons désormais le faire seuls. Lorsque nous chantons seuls, c’est à nous d’être le métronome, c’est à nous de garder le temps comme si nous étions le métronome. Compter le temps reste la priorité absolue de tout musicien, et le chant, qui représente la mélodie, la forme et la structure du morceau, est la deuxième priorité. Garder le compte est plus important que de chanter. Si jamais nous sommes dépassés, confus ou perdus dans la musique, il y a une seule chose à faire : garder le temps. Nous calons le chant sur le temps.

La chanson est maintenant complète dans une version a cappella. Nous avons la mélodie, la forme et la structure de la chanson, et nous pouvons la chanter sans accompagnement, pour notre plaisir et celui d’un éventuel public. Le fait d’avoir une chanson a cappella à travailler avec nous donne un contexte pour développer notre jeu instrumental.

La prochaine étape sera d’ajouter un instrument pour soutenir la musique. L’instrumentation peut être aussi simple ou complexe que nous le souhaitons, mais elle doit être choisie en fonction de l’ambiance et de l’émotion que nous souhaitons transmettre avec notre chanson.

Apprendre à compter sur ses doigts et à chanter une chanson en gardant le temps est une étape importante dans l’interprétation d’une chanson réussie. Cette version a cappella nous permet de suivre le rythme de la musique, d’identifier nos erreurs, de développer notre propre sens du rythme et de la mélodie, et nous donne un contexte pour développer notre jeu d’instrument.

Etape 7 : Apprendre à placer les paroles

Lorsque nous écoutons une chanson, il est facile de se laisser emporter par les paroles et la mélodie. Cependant, pour les musiciens et les chanteurs, il est essentiel de comprendre la structure de la chanson et comment placer les paroles pour une interprétation réussie.

Les paroles représentent l’essence de la chanson ainsi que sa forme et sa structure. Même si un morceau n’est pas chanté, la manière la plus simple de représenter l’air est de le chanter, et on peut utiliser n’importe quelles syllabes pour chanter l’air, comme dans le cas du scat.

Il est important de comprendre la structure de la chanson, qui est généralement composée de couplets, de refrains et de ponts. Les couplets racontent l’histoire de la chanson, tandis que le refrain est souvent le point culminant et est répété plusieurs fois tout au long de la chanson. Le pont est une section isolée qui relie les deux moitiés d’une chanson pour créer un effet de relancement.

Une fois que l’on a compris la structure de la chanson, il est crucial de comprendre comment les paroles doivent être placées pour correspondre à la musique. Les paroles doivent être placées de manière à tomber en rythme avec la musique, créant ainsi une structure cohérente. Pour cela, il est important de repérer où chaque syllabe tombe pour la placer correctement par rapport à la musique.

Le placement des paroles est essentiel pour une interprétation musicale réussie. Les paroles sont des événements musicaux qui doivent arriver au bon moment par rapport au temps, et chaque syllabe doit se placer sur un temps spécifique. Pour s’entraîner à bien placer les paroles, nous pouvons écouter attentivement la chanson et la chanter avec l’enregistrement original en comptant le temps sur nos doigts. Cela permet de comprendre la façon dont les paroles sont placées sur la musique et d’entendre les nuances et les inflexions de la voix du chanteur, ce qui peut aider à améliorer notre propre technique.

Il est également important de s’entraîner à chanter lentement avant d’augmenter la vitesse. Travailler lentement nous force à bien compter et à bien placer les syllabes, et nous laisse le temps de bien chanter chaque note. En se concentrant sur chaque syllabe, on peut placer les paroles correctement sur la musique et s’habituer à la rythmique de la chanson.

En somme, comprendre la structure de la chanson et bien placer les paroles est essentiel pour une performance réussie, que ce soit pour les musiciens ou les chanteurs. En s’entraînant régulièrement et en étant attentif à chaque syllabe, on peut développer sa technique et donner la meilleure interprétation possible.