Catégorie : Cours de solfège

Darkly Organic Piano Music

Une Exploration de la Tierce Majeure et de la Tierce Mineure de Si bémol

La musique est un langage universel qui communique des émotions et des idées à travers des sons organisés. Parmi les concepts fondamentaux de la théorie musicale, les intervalles jouent un rôle crucial. Deux de ces intervalles, la tierce majeure et la tierce mineure, sont particulièrement importants pour la formation des accords et la couleur harmonique de la musique. Cet article explore ces deux intervalles en prenant comme point de départ la note Si bémol.

La Tierce Majeure de Si bémol

Commençons par la tierce majeure de Si bémol. Un intervalle de tierce majeure se compose de deux tons entiers. À partir de Si bémol (Bb), on peut calculer la tierce majeure en montant de deux tons : Si bémol à Do (un ton), puis de Do à Ré (un autre ton). Ainsi, la tierce majeure de Si bémol est Ré (D).

Importance Harmonique

L’accord de Si bémol majeur (Bb) se forme en combinant Si bémol, Ré et Fa. La présence de la tierce majeure (Ré) dans cet accord est ce qui lui confère son caractère joyeux et lumineux. Cet accord est souvent utilisé dans des contextes musicaux qui évoquent des sentiments de bonheur, de célébration et de positivité.

Application Pratique

En pratique, la tierce majeure est omniprésente dans la musique occidentale. Par exemple, dans un contexte de jazz, l’accord de Si bémol majeur peut être enrichi pour devenir un Bbmaj7 (Si bémol, Ré, Fa, La), ajoutant encore plus de profondeur harmonique. Dans la musique classique, les triades majeures comme Bb sont des piliers des progressions harmoniques.

La Tierce Mineure de Si bémol

Passons maintenant à la tierce mineure de Si bémol. Un intervalle de tierce mineure se compose d’un ton et demi. À partir de Si bémol, on descend d’un ton et demi pour obtenir Ré bémol (Db). Ainsi, la tierce mineure de Si bémol est Ré bémol.

Importance Harmonique

L’accord de Si bémol mineur (Bbm) est formé par les notes Si bémol, Ré bémol et Fa. La présence de la tierce mineure (Ré bémol) dans cet accord lui donne un caractère sombre, mélancolique et souvent introspectif. Cet accord est couramment utilisé pour exprimer des émotions de tristesse, de nostalgie ou de réflexion.

Application Pratique

Dans les genres comme le blues et le rock, la tierce mineure est essentielle pour créer des atmosphères émotionnellement chargées. Par exemple, dans une progression de blues en Si bémol, l’accord Bbm pourrait être utilisé pour introduire une couleur émotionnelle particulière avant de revenir à l’accord majeur. En musique classique, les mouvements mineurs ajoutent une dimension dramatique aux œuvres, offrant un contraste nécessaire aux sections majeures.

Comparaison et Utilisation Créative

La juxtaposition de la tierce majeure et de la tierce mineure de Si bémol permet aux compositeurs et interprètes de créer des dynamiques intéressantes et des contrastes émotionnels au sein d’une pièce. Par exemple, un passage musical peut commencer en Si bémol majeur pour évoquer une certaine lumière et ensuite passer en Si bémol mineur pour introduire un élément de surprise ou de changement de ton.

En musique contemporaine, cette technique est utilisée pour maintenir l’intérêt de l’auditeur et pour exprimer des nuances complexes d’émotions. Les transitions entre majeur et mineur peuvent également être exploitées pour des effets dramatiques dans les musiques de film, où les changements d’accords soulignent les variations de l’intrigue ou de l’humeur.

L’exploration de la tierce majeure et de la tierce mineure de Si bémol révèle l’importance de ces intervalles dans la construction des accords et la création de la couleur harmonique. Que ce soit dans des compositions classiques, du jazz, du blues ou de la musique de film, ces intervalles fournissent des outils puissants pour exprimer une vaste gamme d’émotions. Comprendre et utiliser la tierce majeure et la tierce mineure de Si bémol permet aux musiciens d’enrichir leur palette harmonique et d’ajouter de la profondeur à leurs œuvres musicales.

Why Learning Modes Is A Waste of Your Time

Dans le domaine de la théorie musicale, peu de sujets ont suscité autant d’attention et de débat que les modes. De l’Ionien au Locrien, ces anciennes échelles ont été présentées comme la clé pour débloquer la maîtrise musicale. Cependant, à y regarder de plus près, il devient de plus en plus évident que l’obsession pour les modes est non seulement surestimée, mais surtout une perte de temps pour les musiciens aspirants.

Les modes représentent un écart par rapport à l’approche intuitive et naturelle de la création musicale. Au lieu de se concentrer sur la mélodie, le rythme et l’expression, on encourage les musiciens aspirants à mémoriser des schémas d’échelles ésotériques et des constructions théoriques peu pertinentes pour leurs entreprises créatives. Cette approche académique de la musique non seulement étouffe l’expression artistique, mais aussi détourne de la joie et de la spontanéité de l’exploration musicale.

L’accent mis sur les modes perpétue une vision étroite et élitiste de la théorie musicale, excluant ceux qui peuvent manquer de formation formelle ou de qualifications académiques. En privilégiant les modes par rapport à d’autres aspects de la compréhension musicale, tels que la composition et l’improvisation, nous risquons d’aliéner une vaste multitude de musiciens aspirants qui peuvent posséder un immense talent mais manquer des ressources ou de la volonté nécessaire pour plonger dans des concepts théoriques ésotériques.

L’obsession pour les modes peut conduire à une stagnation de la créativité et de l’innovation au sein de la communauté musicale. Au lieu d’encourager l’expérimentation et la repousse des limites, les musiciens peuvent se trouver contraints par les structures rigides imposées par la pensée modale. Cet étouffement de la créativité entrave non seulement la croissance artistique individuelle, mais limite également l’évolution des genres musicaux dans leur ensemble.

En plus d’être étouffant sur le plan créatif, le temps et les efforts consacrés à l’apprentissage des modes pourraient être mieux alloués à la maîtrise de compétences plus pratiques et pertinentes. De l’entraînement de l’oreille aux études du rythme, il existe d’innombrables domaines de développement musical offrant des rendements plus importants en termes de compétence et de plaisir musicaux. En donnant la priorité à ces compétences plutôt qu’aux modes, les musiciens aspirants peuvent développer une boîte à outils musicale plus complète et polyvalente.

La chanson débute avec un battement de tambour doux programmé sur un Roland CR-78, et trois éléments se distinguent immédiatement. Tout d’abord, bien sûr, il s’agit d’une boîte à rythmes, ce qui était encore assez novateur en 1981. Le son fin et discret des percussions synthétiques donne une impression lointaine et atténuée au rythme, joué avec une précision mécanique. Ce motif se répète pendant plus de trois minutes, conférant à la chanson une qualité presque hypnotique. Les percussions servent d’ancrage tandis que le reste de la musique vous enveloppe. Ensuite, il y a l’absence de caisse claire, l’élément de batterie le plus agressif. Son absence crée un sentiment de vide, renforcé par la variation entre des coups de pied quasi absents dans la première mesure et une salve de coups dans la seconde. Cette alternance crée une sensation de respiration dans la musique. Enfin, la rythmique asymétrique, avec des accents métriques sur les temps 1 et 4, combinée à des toms décalés, contribue à une tension rythmique qui se résout sur le dernier temps. Cela donne une sensation déséquilibrée au rythme, semblant s’effondrer à la fin de chaque mesure pour recommencer dans la suivante.

Après cette introduction, la vidéo analyse minutieusement la construction de la chanson, notamment l’utilisation d’une guitare électrique distordue, d’un drone constant en ré sur un Prophet 5, d’une deuxième guitare avec un trémolo rapide et d’une structure harmonique entre D mineur et Si bémol majeur, créant une ambiance hypnotique et agitée. Le texte aborde également la façon dont Phil Collins module sa voix pour créer un ton lointain et presque robotique.

Ensuite, la vidéo décrit le deuxième chorus avec des ajouts vocaux, des voix d’arrière-plan, une écho à la fin de chaque ligne et une quatrième phrase, soulignant une progression dans la complexité de la chanson. La vidéo met également en lumière la construction du dernier verset, où des éléments antérieurs sont réintroduits, le synthé devenant plus fort, le Rhodes jouant une mélodie distincte, et la voix de Collins embellissant la mélodie. Enfin, la vidéo décrit en détail le célèbre fill de batterie de la chanson, soulignant sa structure rythmique, sa forme mélodique créée avec des toms spécialement accordés, et son son caractéristique grâce à la réverbération enclenchée. La vidéo conclut en soulignant que ce moment emblématique ne fonctionne que grâce à la longue introduction de la chanson, établissant des attentes qui sont finalement satisfaites avec l’explosion dramatique du fill de batterie.

Une exploration de la progression d’accords emblématique du thème musical de James Bond, composé par Monty Norman et arrangé par John Barry. La séquence débute avec un accord de Mi mineur, s’élevant d’un demi-ton pour former une première inversion de Do majeur, suivie d’une ascension supplémentaire aboutissant à un accord diminué de Do. La descente se fait ensuite vers l’accord en première inversion de Do.

Cette séquence simple mais puissante crée le motif distinctif du thème de James Bond. Des exemples de chansons comme « Everybody’s Been Burned » des Byrds et « Shades of Cool » de Lana Del Rey utilisent la même progression d’accords pour évoquer l’atmosphère Bond.

L’intention d’incorporer cette progression dans les thèmes des films de James Bond depuis « Casino Royale » en 2006 est soulignée. Des exemples incluent « You Know My Name » de Chris Cornell, « Another Way to Die » de Jack White et Alicia Keys, « Skyfall » d’Adele, « Spectre » de Radiohead (même si cette chanson n’a pas été retenue) et « No Time to Die » de Billie Eilish.

La progression d’accords similaire se retrouve également dans des bandes sonores de jeux vidéo, de séries télévisées (comme Doctor Who) et de films (comme The Avengers et Silent Hill 2).

Bien que cette progression soit immédiatement reconnaissable et associée au thème de James Bond, elle ne pose pas de problèmes de droits d’auteur. La prochaine chanson thème de James Bond utilisera probablement cette progression classique d’une manière ou d’une autre.

Pour décortiquer l’accord d’Alex Lifeson, vous jouez un accord de puissance en fa# en deuxième position, en utilisant en fait une forme d’accord majeur en barré, mais vous soulevez la barre pour exposer les deux cordes du haut. Cela donne un accord majeur avec la fondamentale, la quinte et la tierce majeure, et en ajoutant le Si, cela donne un son suspendu, ou comme un Si 11 ajouté, et le Mi va transformer l’accord en un accord de septième dominante.

Le deuxième riff ou idée de puissance à la quinte en-dessous de la fondamentale était une découverte à deux volets qui avait également à voir avec une découverte d’accord. Quand on joue avec de la distorsion, certains accords sonnent bien et d’autres non, mais la première fois que j’ai découvert que si vous preniez un accord de puissance et que vous placiez la quinte en-dessous de la fondamentale, vous obtenez un son ultra-lourd. Si vous utilisez le bon ampli avec les bons réglages, cela peut faire sonner une guitare à six cordes comme une guitare à sept cordes.