ANALYSE DE « FLOWERS » DE MILEY CYRUS [C’est toujours la même mélodie!]

La chanteuse américaine Miley Cyrus a sorti son premier titre de son futur album intitulé « Flowers ». Le morceau a connu des millions d’écoutes sur toutes les plateformes et s’est classé numéro 1 dans la plupart des hits-parades. C’est un grand retour pour Miley Cyrus, dix ans après son tube « Wrecking Ball ».

« Flowers » est une chanson dansante et joyeuse, mais pas tout à fait. Les paroles font référence à une autre chanson, « When I was your man » de Bruno Mars, dans laquelle il avoue avoir regretter de ne pas avoir acheté des fleurs à son ancienne petite amie. Dans « Flowers », Miley Cyrus chante « I can buy myself flowers » (Je peux m’acheter des fleurs toute seule), signifiant qu’elle n’a plus besoin de quelqu’un pour les lui offrir.

La référence à une autre chanson est assumée et appréciée. En effet, dans la pop, il est rare que les artistes mettent en évidence leurs inspirations et parlent de leurs créations en relation avec d’autres œuvres. Quelques exemples en français sont « La chanson de Prévert » de Gainsbourg, qui évoque « Les feuilles mortes », ou encore « Liverpool » de Patsy qui reprend « Imagine » de John Lennon.

En étudiant de plus près la mélodie de « Flowers », on peut remarquer qu’elle n’est qu’une variation d’un énorme cliché musical qui existe depuis au moins 300 ans. Cette fameuse marche harmonique en escalier que Vivaldi ou encore Haendel ont utilisée dans leurs compositions. Ce motif est si cliché que l’on peut trouver de nombreux exemples de chansons qui l’utilisent, comme « Love Fool » des Cardigans, remixé par Christophe Maé, Bruno Mars, Rob Thomas ou encore Rixton.

« Flowers » est un titre réussi pour Miley Cyrus, qui signe son grand retour après dix ans d’absence. La référence assumée à une autre chanson, ainsi que la mélodie en escalier, témoignent de l’inspiration de la chanteuse et de son respect pour l’histoire de la musique.

Pourquoi est-il important que les instrumentalists apprennent à chanter ?

Il est important que les instrumentistes apprennent à chanter pour plusieurs raisons :

Communication musicale : En apprenant à chanter, un instrumentaliste peut mieux comprendre la musique qu’il joue et communiquer plus facilement avec les autres musiciens. En chantant les mélodies, les harmonies ou les parties vocales, l’instrumentaliste peut mieux intégrer sa propre partie avec le reste de la musique.

Technique instrumentale : En chantant les notes qu’il joue, l’instrumentaliste peut améliorer sa technique instrumentale en développant sa capacité à entendre les intervalles et les nuances de la musique. Cela peut aider l’instrumentaliste à jouer plus précisément, avec une meilleure intonation et une meilleure expression.

Créativité musicale : En apprenant à chanter, un instrumentaliste peut devenir plus créatif dans sa façon d’interpréter la musique. Il peut ajouter des variations, des ornementations et des nuances qui sont plus difficiles à réaliser sans chanter.

Polyvalence musicale : En apprenant à chanter, un instrumentaliste peut élargir sa palette musicale et devenir plus polyvalent en tant que musicien. Il peut mieux comprendre les besoins des autres musiciens et contribuer de manière plus créative à l’ensemble.

George Benson est un célèbre guitariste de jazz et chanteur américain, connu pour son style de jeu fluide et son talent vocal. « On Broadway » est une chanson populaire écrite par Barry Mann et Cynthia Weil, initialement enregistrée par The Drifters en 1963. Depuis, la chanson a été reprise par de nombreux artistes, mais la version de Benson est considérée comme l’une des plus célèbres.

La performance de George Benson de « On Broadway » lors du festival Jazz à Vienne en 2011 est un exemple exceptionnel de sa virtuosité musicale. Dans cette version, Benson utilise sa célèbre guitare Ibanez en jouant un solo de guitare énergique et rythmé. Sa voix rauque et expressive ajoute une dimension supplémentaire à la chanson, donnant vie aux paroles avec émotion.

La performance de Benson est accompagnée par une section rythmique solide composée d’un batteur, d’un bassiste et d’un claviériste. Le groupe travaille ensemble pour créer une ambiance entraînante qui invite le public à danser et à chanter avec eux.

Il est assez courant pour les guitaristes de jazz, comme George Benson, de chanter les mêmes notes qu’ils jouent à la guitare. Cela leur permet de mieux intégrer leur jeu de guitare avec leur voix, créant une plus grande cohérence et une plus grande unité dans leur interprétation. En chantant les notes qu’ils jouent, les guitaristes peuvent également mieux comprendre la structure de la chanson et les relations entre les différents accords et notes. De plus, cela peut les aider à jouer avec plus de précision et d’expression, car ils sont en mesure de mieux entendre les nuances de la musique. En fin de compte, chanter les notes en même temps que jouer de la guitare peut aider les musiciens à créer une performance plus cohérente et plus expressive. Dans la vidéo de George Benson, on peut voir qu’il utilise cette technique pour créer une performance captivante et mémorable.

Le système de nomenclature

La musique est simple – il y a douze notes également différentes dans une octave. Le système de nomenclature est tordu, parce qu’il s’est développé pendant les derniers milliers d’années.

Il y a mille ans, à l’époque du chant grégorien, il n’y avait que sept notes différentes dans une octave : Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si et on revenait à Do. Ces notes correspondent à la gamme majeur de Do, qui était la seule gamme en utilisation à l’époque.

Depuis, la musique a évolué, et il y a cinq cents ans, il y avait 17 notes différentes dans une octave, et Do dièse n’était pas la même note que Ré bémol.

Depuis l’époque de Bach, il y a trois cents ans, nous avons un système simplifié, avec seulement douze notes différentes également dans une octave, mais ces douze notes utilisent les 17 noms basés sur les sept noms d’il y a mille ans.

On pourrait créer un meilleur système de nomenclature aujourd’hui, mais personne ne l’utiliserait. Il faut simplement accepter et apprendre ce système, qui nous donne la liberté de parler de la musique.

Apprendre à jouer et chanter les noms des notes au piano

La musique est créée à partir de notes, et le piano permet de jouer 88 de ces notes. Les notes sont essentielles à la composition musicale, et les notes noires ont les mêmes caractéristiques que les notes blanches. Au piano, il n’y a aucune différence entre les deux, car ce sont toutes des notes. Les notes noires sont des repères visuels qui se présentent sous forme de groupes de deux ou de trois notes. Chaque note a un nom, et la note blanche située en bas du groupe de deux notes noires est appelée « Do ».

La première étape dans l’apprentissage du piano est d’apprendre les noms des notes.