Catégorie : Cours de solfège

« Creep » est une chanson du groupe de rock britannique Radiohead, sortie en 1993. Elle a été écrite par le chanteur Thom Yorke, et produite par Sean Slade et Paul Q. Kolderie. La chanson est devenue l’un des plus grands succès de Radiohead, mais elle a également été controversée pour avoir emprunté des éléments d’une chanson de 1974 intitulée « The Air That I Breathe » des Hollies.

« Creep » est une chanson rock alternatif qui se caractérise par des guitares distordues, une ligne de basse simple mais efficace, une batterie rythmée et des paroles qui reflètent les sentiments d’aliénation et de rejet. La chanson est devenue un succès immédiat au Royaume-Uni, mais elle a mis plus de temps à percer aux États-Unis.

Malgré les critiques, « Creep » est devenue l’une des chansons les plus connues et les plus appréciées de Radiohead, et elle est souvent considérée comme l’une des meilleures chansons de rock des années 1990. La chanson a été reprise et remixée par de nombreux artistes au fil des ans, et elle est devenue un élément essentiel de la culture populaire.

David Bennett est un pianiste et compositeur britannique basé à Londres, en Angleterre. Il est spécialisé dans le piano solo, le jazz, la musique classique, la musique de film et la musique de théâtre.

David Bennett a commencé à jouer du piano à l’âge de 5 ans et a commencé à étudier la musique classique à l’âge de 7 ans. Il a étudié au Royal College of Music de Londres, où il a obtenu une bourse pour ses réalisations exceptionnelles en piano. Il a également étudié le jazz avec le pianiste de renommée mondiale, Julian Joseph.

En tant que pianiste professionnel, David Bennett a travaillé avec de nombreux artistes de jazz et de pop, ainsi qu’avec des orchestres symphoniques, notamment l’Orchestre philharmonique de Londres et l’Orchestre symphonique de la BBC. Il a également enregistré plusieurs albums solo de piano, dont « Songs Without Words » et « Piano Reflections ».

En plus de sa carrière de pianiste, David Bennett est également compositeur de musique de film et de théâtre. Il a composé la musique pour plusieurs productions théâtrales à Londres, ainsi que pour des films indépendants.

C’est la progression d’accords utilisée dans la chanson « Creep » de Radiohead. Il s’agit simplement d’une boucle de quatre accords qui se répète pendant toute la durée de la chanson. Bien qu’il s’agisse d’une boucle de quatre accords, les accords utilisés sont assez distinctifs et ne sont pas souvent utilisés ensemble dans de nombreuses chansons différentes. Nous commençons par l’accord de la tonique, qui, dans la tonalité originale, est le sol majeur. Puis nous passons à la version majeure de l’accord de la tierce, qui est si majeur. Ensuite, nous passons d’un demi-ton à l’accord de la quarte, qui est C. Puis nous passons de la version majeure de l’accord de la quarte à la version mineure de l’accord de IV, qui est C mineur. On revient au point de départ pour continuer la boucle.

Radiohead ajoute également des quartes suspendues, ce qui ajoute un peu plus de saveur à la progression des accords.

Plus tard dans cette vidéo, nous verrons pourquoi cette progression d’accords fonctionne et ce qui la rend si particulière. Mais avant cela, je voulais jeter un coup d’oeil à quelques exemples d’autres chansons qui utilisent cette progression d’accords.

L’exemple le plus ancien de cette progression d’accords que j’ai pu trouver est la chanson « That’s When Your Heartaches Begin », enregistrée à l’origine par Shep Fields en 1937, mais rendue plus célèbre par des enregistrements d’Elvis et de The Ink Spots. Une autre chanson qui utilise presque le même progression distinctive d’accords tonique, tierce, quarte et quarte mineur est « Space Oddity » de David Bowie. Mais, bien que nous ayons le même ordre distinctif, nous n’avons pas exactement le même rythme harmonique que dans « Creep ».

Contrairement à la plupart des boucles de quatre accords, je n’ai pas pu trouver beaucoup d’exemples de chansons utilisant cette progression. J’ai vraiment dû gratter le baril pour la trouver. Voici une sélection des exemples les plus remarquables de chansons qui ont utilisé cette progression d’accords « Creep » : « Why Don’t You Close the Door » et « Shut the Window » de Squeeze, « I Want You Back » de Hoodoo Gurus et « Life in a Northern Town » de The Dream Academy.

Deux chansons qui utilisent de manière tristement célèbre la même progression d’accords que « Creep » sont la chanson qui aurait plagié « Creep », « Get Free » de Lana Del Rey, et la chanson que Radiohead lui-même a été poursuivi pour plagiat, « The Air That I Breathe », rendue célèbre par The Hollies.

« The Air That I Breathe » utilise la même séquence d’accords que « Creep », mais le rythme harmonique est différent. Ici, nous passons moins de temps sur les accords de la quarte et de quarte mineur que Radiohead ne le fait dans « Creep ».

Comme je l’ai mentionné, Radiohead a été poursuivi par les éditeurs de « The Air That I Breathe » au nom des auteurs-compositeurs Albert Hammond et Mike Hazelwood, qui ont écrit et interprété la chanson à l’origine. En conséquence, Hammond et Hazelwood figurent désormais sur la liste des auteurs-compositeurs de « Creep » et reçoivent une partie des royalties. Il convient de noter, cependant, que ce procès n’a pas été gagné simplement parce que « Creep » utilisait la même progression d’accords que « The Air That I Breathe ». Une progression d’accords commune n’est généralement pas considérée comme un motif de procès pour plagiat. Non, c’est parce que « Creep » utilise une mélodie similaire à « The Air That I Breathe ».

« Get Free » de Lana Del Rey utilise également la même progression d’accords que « Creep ». Cette fois, elle l’utilise même avec exactement le même rythme harmonique. En outre, « Get Free » a également une mélodie assez similaire à celle de « Creep ». Cette ressemblance entre les deux chansons n’est pas passée inaperçue auprès de l’éditeur de Radiohead, et en 2018, il a bien tenté de poursuivre Lana Del Rey pour plagiat.

La chanteuse américaine Miley Cyrus a sorti son premier titre de son futur album intitulé « Flowers ». Le morceau a connu des millions d’écoutes sur toutes les plateformes et s’est classé numéro 1 dans la plupart des hits-parades. C’est un grand retour pour Miley Cyrus, dix ans après son tube « Wrecking Ball ».

« Flowers » est une chanson dansante et joyeuse, mais pas tout à fait. Les paroles font référence à une autre chanson, « When I was your man » de Bruno Mars, dans laquelle il avoue avoir regretter de ne pas avoir acheté des fleurs à son ancienne petite amie. Dans « Flowers », Miley Cyrus chante « I can buy myself flowers » (Je peux m’acheter des fleurs toute seule), signifiant qu’elle n’a plus besoin de quelqu’un pour les lui offrir.

La référence à une autre chanson est assumée et appréciée. En effet, dans la pop, il est rare que les artistes mettent en évidence leurs inspirations et parlent de leurs créations en relation avec d’autres œuvres. Quelques exemples en français sont « La chanson de Prévert » de Gainsbourg, qui évoque « Les feuilles mortes », ou encore « Liverpool » de Patsy qui reprend « Imagine » de John Lennon.

En étudiant de plus près la mélodie de « Flowers », on peut remarquer qu’elle n’est qu’une variation d’un énorme cliché musical qui existe depuis au moins 300 ans. Cette fameuse marche harmonique en escalier que Vivaldi ou encore Haendel ont utilisée dans leurs compositions. Ce motif est si cliché que l’on peut trouver de nombreux exemples de chansons qui l’utilisent, comme « Love Fool » des Cardigans, remixé par Christophe Maé, Bruno Mars, Rob Thomas ou encore Rixton.

« Flowers » est un titre réussi pour Miley Cyrus, qui signe son grand retour après dix ans d’absence. La référence assumée à une autre chanson, ainsi que la mélodie en escalier, témoignent de l’inspiration de la chanteuse et de son respect pour l’histoire de la musique.

Toute la musique occidentale n’utilise que 12 notes au total : DO, DO dièse, RE, RE dièse, MI, FA, SOL, SOL dièse, LA, LA dièse et SI. Bien sûr, un piano comporte bien plus que 12 touches, mais chaque touche n’est qu’une version de l’une de ces 12 notes. Comme je l’ai expliqué dans ma vidéo précédente, il existe d’autres hauteurs possibles que ces douze-là, par exemple Do demi-dièse ou demi-bémol. En réalité, la hauteur est un spectre continu offrant un choix infini de notes. Alors, pourquoi ces douze-là ? Avant tout, sachez que ces notes n’ont pas été choisies pour leur fréquence. Les fréquences absolues ne sont pas importantes en musique. Si nous élevions d’un même écart la hauteur de toutes les notes, notre piano ne sonnerait pas moins juste. Ce n’est pas la fréquence de chaque note qui importe, mais les rapports entre leurs fréquences respectives. Une mélodie n’est pas constituée de notes, mais d’intervalles. Cette comptine n’est pas définie par ses notes (ni leurs fréquences), mais par leurs intervalles. Elle pourrait commencer par n’importe quelle note, et tant que les intervalles qui suivent restent inchangés, sa mélodie serait la même. C’est ce qu’on appelle transposer un morceau.

Mais pour revenir à la question : pourquoi seulement 12 notes ? Pour faire simple, elles sont le strict nécessaire dont nous avons besoin pour produire les intervalles les plus musicaux. Quels sont ces intervalles musicaux ? Et pourquoi 12 notes par octave sont-elles le meilleur moyen de les produire ? Bien que le goût soit une matière subjective, seule une poignée d’intervalles flatte l’oreille de la plupart des humains. Tout le monde s’accorde à considérer l’octave comme l’intervalle le plus important et le plus harmonieux. Deux notes séparées d’une octave sonnent tellement bien ensemble et semblent si complémentaires qu’elles passent pour deux versions de la même note. C’est pourquoi les notes séparées d’une octave portent le même nom. Voyez par exemple ces deux LA. Cet intervalle est aussi le rapport le plus simple entre les fréquences : pour monter d’une octave, il suffit de doubler la fréquence. Donc, la fréquence de 440 Hz est une octave au-dessus de 220 Hz. Leur rapport est de 2/1. Aussi, une corde deux fois plus courte qu’une autre sonnera une octave plus haut, puisqu’elle vibre deux fois plus vite. Et puisque deux notes séparées d’une octave sont si similaires à l’oreille, la plupart des cultures utilisent des gammes s’étendant sur une octave.

Reste à savoir comment peupler cette octave de notes. En Occident, on a choisi 12 notes qui permettent de produire une palette très utile d’intervalles. Parcourons maintenant ces intervalles et plaçons-les sur le clavier.

Après l’octave, les intervalles les plus harmonieux sont la quinte et la quarte parfaites. Bien que nous ayons choisi ces intervalles sur des bases purement esthétiques, il est intéressant de constater qu’ils correspondent, tout comme l’octave, à un rapport numérique très simple entre les hauteurs des deux notes. Tandis que pour monter d’une octave, il fallait multiplier la fréquence par 2, pour une quinte et une quarte, les rapports sont respectivement 3/2 et 4/3. Et même si nous n’avons pas besoin de maths pour apprécier ces intervalles, plus le rapport numérique est simple, plus nous les apprécions. Et ce n’est pas par hasard : quand le rapport entre deux fréquences est si élémentaire, les longueurs d’onde correspondantes vont s’aligner parfaitement. Cet alignement, ou synchronisation, des ondes est très probablement la raison pour laquelle un intervalle nous semble harmonieux. Quand nous jouons deux notes dont les fréquences se synchronisent moins bien, elles sont perçues comme dissonantes. L’octave, la quinte et la quarte sont universellement préférées aux autres intervalles. Mais pour les suivants, l’ordre de préférence varie. La tendance générale va cependant dans le sens suivant : la tierce majeure, la tierce mineure, la sixte majeure et la sixte mineure. Vous vous en doutez, leurs rapports numériques restent relativement simples. Ce sont les intervalles généralement considérés comme harmonieux. Les intervalles suivants sont considérés comme dissonants, mais ils ne sont pas inutiles pour autant. Bien que la dissonance semble indésirable à première vue, une musique sans dissonance serait certes plaisante, mais manquerait cruellement de tension dramatique. Ces intervalles plus dissonants sont le ton (ou seconde majeure), la septième mineure, le triton, la septième majeure et le demi-ton (ou seconde mineure). Ceux-ci sont les 12 intervalles utilisés en musique occidentale. Mais pourquoi ne pas ajouter quelques notes supplémentaires ? Par exemple, une tierce neutre entre les tierces majeure et mineure ? Ou une « ultra-sensible » entre la septième majeure et l’octave ? Pour bien faire, nous ne pourrions pas nous contenter d’ajouter ces deux notes, car il est important que l’écart entre les notes soit régulier. C’est ce qui nous permet de jouer dans toutes les gammes (ou tonalités) et facilite la pratique des instruments.

Dans notre système standard de 12 notes, l’écart entre chaque note est plus ou moins égal. Ajouter quelques notes au hasard détruirait cette régularité. Si nous voulions ajouter plus de 12 notes, il faudrait qu’elles divisent l’octave de manière régulière tout en permettant l’accès aux intervalles les plus importants. Une alternative intéressante serait d’avoir 19 notes, espacées régulièrement, qui offrent la Quinte, la Quarte et d’autres intervalles importants, ainsi que des micro-tonalités inédites. Une autre possibilité serait d’avoir 24 notes en insérant un quart de ton entre chacune de nos 12 notes, préservant ainsi tous les intervalles habituels et en permettant d’autres. Des œuvres ont été composées pour de tels systèmes, comme le piano à 24 notes par octave inventé par Ivan Wyschnegradsky. Cependant, cela rendrait l’instrument plus difficile à jouer, et la plupart des musiciens considéreraient probablement que ces notes supplémentaires ne justifient pas une telle complexité. Les instruments comme le violon ou le trombone n’auraient pas besoin d’être modifiés, mais ils sont quand même optimisés pour faciliter l’accès à nos 12 notes. La taille, la forme et le confort de l’instrument sont donc très importants, et les luthiers doivent faire un compromis entre ergonomie et nombre de notes accessibles. Au fil des siècles, il est apparu que 12 notes, répétées d’une octave à l’autre, sont le meilleur compromis pour accéder aux intervalles les plus musicaux tout en optimisant l’ergonomie des instruments. Ainsi, pour obtenir toutes les notes du clavier du piano, il suffit de doubler leurs fréquences pour les obtenir une octave plus haut et de les diviser par deux pour l’octave inférieure.

Cependant, il reste un sujet important à couvrir : le tempérament. Jusqu’ici, nous avons considéré une gamme naturelle dans laquelle les intervalles correspondent parfaitement à des rapports de fréquences purs. C’est la manière la plus pure d’accorder un instrument, mais elle pose un problème : pour jouer dans toutes les tonalités, les écarts entre notes doivent être rigoureusement identiques. Bien que notre gamme naturelle offre des écarts relativement similaires, ils ne sont pas absolument identiques car tous ces rapports ont été calculés à partir d’une note fondamentale. Par exemple, la quinte entre La et Mi est un rapport de fréquence exact de 3/2. Par conséquent, tant qu’on joue en La majeur, la mélodie sonnera parfaitement juste. Mais si je la jouais dans une autre tonalité, comme Mi bémol majeur par exemple, elle sonnerait nettement moins bien ! Le rapport de fréquence de la quinte entre Si bémol et Mi bémol n’est pas exact.

Changer de tonalité implique de se baser sur une nouvelle note fondamentale, ce qui nécessite de réaccorder complètement l’instrument pour que la tonalité sonne juste. Cependant, nous souhaitons que notre instrument sonne juste dans toutes les tonalités, y compris en jouant hors tonalité. C’est là que le « tempérament » entre en jeu. Pour pouvoir passer librement d’une tonalité à l’autre ou jouer chromatiquement, il est nécessaire de tempérer certains intervalles. Au cours de l’histoire, différents tempéraments ont été proposés pour atteindre un accordage polyvalent, chacun offrant un compromis différent entre justesse et polyvalence.

Le système actuel, appelé le « tempérament égal », est devenu quasiment universel. Il consiste à diviser l’octave en 12 portions égales, de sorte que les 12 écarts entre les notes soient identiques. En tempérament égal, la Quinte entre La et Mi, par exemple, sonnera ni plus ni moins juste que celle entre Si Bémol et Fa, ou entre Ré et La, ou entre Mi et Si, etc. Le principe est le suivant : au lieu de définir chaque intervalle par son rapport à une note fondamentale, on ne génère que l’octave ainsi, par son rapport exactement 2/1. C’est une excellente approximation, bien qu’en réalité, seule l’octave ait un rapport exact et soit parfaitement juste.

Certains de ces intervalles tempérés sont presque aussi justes que leur équivalent naturel. Par exemple, la Quarte et la Quinte ne dévient que de 1,96 %. Mais d’autres en dévient davantage, comme la Tierce Majeure qui est augmentée de 13 %. Cela se remarque particulièrement dans les accords. Un accord de Do Majeur en tempérament égal produira un léger désaccord, appelé « battement ». Mais si cet accord est accordé sur sa gamme naturelle, le battement disparaîtra.

Malgré cela, presque toute la musique que vous avez entendue dans votre vie est en tempérament égal, car il reste suffisamment juste pour ne pas nous choquer. J’espère que cette vidéo a répondu en partie à la question, bien que simple, qui entremêle physique, histoire et préférence esthétique. Bien sûr, ce système à 12 notes n’est pas une obligation. La microtonalité, par exemple, explore des hauteurs situées entre ces douze notes. Et d’autres cultures utilisent des gammes complètement différentes. J’en parlerai dans une prochaine vidéo. Si vous êtes formé à une forme de musique non-occidentale, j’aimerais vous entendre.

Rick Beato est un musicien, producteur, ingénieur du son et éducateur musical américain. Il est surtout connu pour ses vidéos éducatives sur la musique, qui couvrent un large éventail de sujets, de l’histoire de la musique à la théorie musicale en passant par l’analyse des chansons populaires.

Beato a commencé sa carrière musicale comme producteur et ingénieur du son à la fin des années 1990, travaillant avec des artistes tels que Shinedown, Needtobreathe et Trey Anastasio. En 2012, il a commencé à publier des vidéos éducatives sur sa chaîne YouTube, couvrant des sujets tels que l’histoire de la musique rock, la théorie musicale avancée et l’analyse de chansons populaires.

Les vidéos éducatives de Beato sont devenues très populaires, attirant des millions de vues et de nombreux abonnés à sa chaîne YouTube. Il a également publié des livres et des cours en ligne sur la production musicale et la théorie musicale.

En plus de son travail éducatif, Beato est également un musicien accompli, jouant de plusieurs instruments, dont la guitare, le piano et la batterie. Il continue de produire et d’enregistrer de la musique pour divers artistes, en plus de poursuivre son travail éducatif sur YouTube et ailleurs.

Les chansons avec deux accords sont des chansons qui utilisent seulement deux accords différents dans leur progression d’accords. Elles peuvent être trouvées dans une variété de genres musicaux, du rock et du folk au blues et au reggae.

Bien que le concept de la musique à deux accords puisse sembler simple, il y a en fait beaucoup de variations et de subtilités dans la façon dont ces accords sont utilisés. Les deux accords peuvent être utilisés de manière répétitive pour créer un rythme entraînant, ou bien ils peuvent être combinés avec des paroles ou des mélodies complexes pour créer une chanson plus émotionnelle ou mémorable.

Les chansons avec deux accords sont souvent utilisées dans les cercles de chant en groupe, les camps d’été et les fêtes, car elles sont faciles à apprendre et à chanter en groupe.

« Leçon de piano n°1 : Les notes qui s’aiment » est une vidéo éducative créée par la chaîne YouTube VISO Music. Le pianiste classique français François Dumont y explique comment les notes sont liées les unes aux autres dans la musique, en utilisant une méthode visuelle simple mais efficace.

La vidéo est destinée à un public novice en musique et utilise des couleurs et des flèches pour montrer comment les notes se connectent et se lient pour créer une mélodie. François Dumont donne des exemples concrets de mélodies célèbres pour illustrer les concepts musicaux, rendant ainsi la théorie musicale plus accessible et compréhensible pour un public plus large.

François Dumont est un pianiste classique français reconnu pour son interprétation de la musique de Frédéric Chopin et de Franz Liszt, ainsi que pour sa participation à des compétitions internationales de piano.

André Manoukian a également créé une vidéo intitulée « Leçon de piano n°1 : Les notes qui s’aiment », mais il s’agit d’une vidéo différente de celle créée par François Dumont et la chaîne YouTube VISO Music.

Dans sa vidéo, André Manoukian utilise une métaphore romantique pour expliquer les relations entre les notes en disant que les notes sont comme des amoureux qui cherchent à s’embrasser. Il utilise également des animations pour illustrer les concepts musicaux et rendre la théorie musicale plus accessible et compréhensible pour un public plus large.

Les deux vidéos partagent un objectif commun, qui est de rendre la théorie musicale plus accessible et compréhensible pour un public plus large en utilisant des exemples clairs et des métaphores visuelles pour expliquer les concepts.